Es una mezcla extraña de alguien sofisticado y solidario, con alguien superficial e interesado. Recuerdo muy bien sus viajes a Buenos Aires (Amnesty International) en el marco de la reivindicación de los derechos humanos, como así también sus declaraciones acerca de sus “records” de rendimiento durante las relaciones sexuales.

Gordon Matthew Thomas Sumner nació en 1951 en Wallsend, un pequeño pueblo de la región noreste de Inglaterra. El éxito lo encontró muy joven con The Police, y luego lo sostuvo y acrecentó con hidalguía durante su carrera en solitario.

No entiendo porqué una de cada dos entrevistas es una pavada total. No sé si es culpa de los periodistas o si es él quien se presta o promociona con sus declaraciones. Dice ser adorador de Shiva, declara amar el idioma sánscrito, que Bodhisatva lo protege, y al rato vuelve a aparecer en sesiones fotográficas “hot” junto a su esposa.

Pero eso no me molesta tanto (finalmente, todos tienen su costado cholulo). Lo que me incomoda un poco es cuando las declaraciones son más políticas. Dice ser un “tipo de izquierda”, haciendo el progresista afirma “yo procedo de la clase obrera, sigo siendo socialista”. Al mismo tiempo pibe recibió La Excelentísima Orden del Imperio Británico. Cuando ves que al lado de su nombre dice CBE es porque fue nombrado “Commander of the Most Excellent Order of the British Empire”. Estos títulos de nobleza (entendiendo nobleza de una manera medio particular) son otorgados por la realeza del Imperio Británico.

Puede parecerte una pavada, sin embargo -para los ingleses- es algo muy importante y significativo. Lo que quiero decir es que no es algo a lo que un inglés le pase desapercibido. Tanto es así que otros músicos han rechazado expresamente estos títulos. Por ejemplo, los Beatles fueron ordenados caballeros, honor que John Lennon se ocupó de rechazar años más tarde. De la misma manera que David Bowie, quien aceptó ser nombrado “Commander of the Ordre des Arts et des Lettres” en Francia, rechazó Orden de Comandante del Imperio Británico diciendo “No entiendo para qué puede servir. No pasé mi vida trabajando para eso.”.

Hablando de música, que es lo que aquí nos reúne, debo decir que me gusta mucho su música. Mucha fusión jazzera, punk, buenas baladas y buen rock, hicieron de Sting una marca registrada. Todos los discos tienen buenos canciones y muy buen nivel de grabación. Mis preferidos son sus inicios con “Bring on the Night” del ’86, “Nothing Like the Sun” del ’87, y quizás “Ten Summoner’s Tales” del ’93. Luego, más sumergido en mediados de los ’90 en adelante, su estilo de rock viró más para el New Wave, pero siempre con algunas baladas efectivas y pegadizas como Brand New Day del ’99 o Shape of My Heart del 2003.

Hace una semanita que lo tenía preparado, pero estuve algo “fuera de servicio”, recargado de trabajo y obligaciones. En el grupo de Facebook, Sting está entre los top de los pedidos. Así que, como siempre a 320@, buenas versiones y artwork, hoy compartimos la discografía de Sting!

Ah!, me olvidaba… como bonus track: Message in a Box: la indispensable discografía de The Police!
Enjoy!!

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The Sacred Box! Full Studio Discography
Box Artist: Sting
Year: 2009 – Bitrate: @320
Genre: Pop / Rock / Jazz / New-Wave
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Discs:
1985 – The Dream Of The Blue Turtles
1986 – Bring On The Night
1987 – …Nothing Like The Sun
1988 – …Nada como el Sol
1991 – The Soul Cages
1993 – Ten Summoner’s Tales
1994 – Mercury Falling
1999 – Brand New Day
2003 – Sacred Love
2006 – Songs From The Labyrinth
2009 – If On A Winterïs Night
2011 – Symphonicities
Bonus
1993 – The Police 4Cd’s: Message In A Box

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Enjoy!!!!

En mi caso, lo recuerdo con claridad: en enero de 2008 mi propia hija fue quien me invitó a ver a Bob Dylan cuando éste vino a Argentina al estadio Velez Sarsfield. La cosa había cambiado para siempre ya que, si bien ya había asistido a varios conciertos con mis hijos, ésta vez la propuesta venía “desde abajo hacia arriba”, y nada menos que para ver a Dylan, héroe de épocas bien diferentes a las actuales.  Terminaban años de Backstreet Boys, Spice Girls y demás. Ese día me pregunté: Turco, ¿no te estarás poniendo grande?.

El otro día dimos otro pasito. Mi hijo, después de años de Skrillex  y otros electrónicos Dj´s, subió al muro de su Facebook un link a un video de Youtube de Led Zeppelin. Se trataba de  The Song Remains The Same y escribió: “Tomarse unos minutos y escuchar el mejor tema de la historia de la música.”. Cuando me lo mostró, yo me entusiasmé e intenté contarle que la película se proyectaba todos los sábados en el mismo cine donde un puñado de rockeros setentosos solíamos ver una y otra vez (eso cuando no íbamos a ver Woodstock o The Phantom in the Paradise).  En la mitad del relato se aburrió y se fue, y me dí cuenta que cualquier cosa que le diga siempre parece una frase interminablemente larga y aburrida.  Se me piantó un lagrimón y me dije: Turco, sin ningún lugar a dudas, ya estás grande.

Mis hijos son mis dos soles, y a su vez son la medida de mi crecimiento. Mientras ellos fueron niños, yo siempre me sentí joven. Ahora que ellos dejaron de ser niños y pasaron a ser jóvenes, mi pelo sigue estando largo pero está casi blanco… me toca dar un nuevo paso adelante.

De mi época “jóven” viene Van der Graaf Generator.

Peter Hammill desarrolló su locura entre sus actividades como solista y líder de VDGG. El nombre de la banda se tomó de un invento (un generador de electricidad) de principio de siglo, pero debió ser escrito “Van de Graaff generator”, o sea “de” en lugar de “der”, y “Graaff” en lugar de “Graaf”, pero cuando al momento de registrarlo no se supo bien como escribirlo y quedó con el error de ortografía para siempre.

Hammill y Cia. eran todos estudiantes universitarios, originales de Manchester, Inglaterra. Sabían con certeza que debían experimentar entre sus orígenes para desarrollar una nueva música. Se sentían parte del movimiento de inventores que creaban sonidos y ritmos diferentes. VDGG es, en realidad, una sofisticada fusión de jazz, pop, rock progresivo y mucho experimental lisérgico propio de finales de los 60´s y principios de los 70´s.

Se nota la presencia de Miles Davis, Syd Barret, The Incredible String Band, Coltrane y otros. El grupo elaboró sonidos únicos cuando logró combinar todas esas corrientes, con muy buenas letras en muchos casos, y estratégicos desarrollos. Hay mucha intensidad dramática, sofisticada musicalidad y buen rock&roll.  Si bien su recorrido puede ser comparable a Premiatta Forneria Marconi o a King Crimson (fundamentalmente por las colaboraciones de Robert Fripp en varias ocasiones), Van der Graaf Generator es una banda creativa, original y diferente.

Para hoy, escuchando parte del operativo “clamor” hecho en Facebook donde quedarán pendientes Jethro Tull, Sting y otras para las semanas siguientes, traje la discografía remasterizada de VDGG. Son 16 discos, todos a 320@, todos con su artwork, mayormente re-editados en 2008, desde el primero de 1969 hasta el último en 2012.  Y mientras te escribo, tal como hago siempre, vuelvo a escuchar los discos y puedo decirte algo con total convicción: hay muchos hallazgos, logros, reconocimientos creativos pendientes y disfrute en Van der Graaf Generator!!

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Album Artist: Van Der Graaf Generator – The Sacred Box
Year: 1969/2012 – Bitrate: @320
Genre: Progressive Rock
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Discs:
1969 – The Aerosol Grey Machine
1970 – The Least We Can Do Is Wave To Each Other
1970 – H To He, Who Am The Only One
1971 – Pawn Hearts
1975 – Godbluff
1976 – Still Life
1976 – World Record
1977 – The Quiet Zone – The Pleasure Dome
1978 – Vital
1982 – Time Vaults
1994 – Maida Vale
2005 – Present
2007 – Real Time
2008 – Trisector
2011 – A Grounding in Numbers
2012 – ALT
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Costó muuucho. Juntar 10 temas llevó más de tres meses. Durante ese tiempo algunos fueron presa de la pereza y no se animaron. Pero otros desempolvaron grabaciones que tenían guardadas, otros se animaron a armar un tema por su cuenta, otros juntaron sus grupos.

Lo cierto es que es genial que haya sucedido.

Yo, al principio, puteaba porque tenía que “empujar” mucho, la convocatoria era lenta, pastosa, y no sabía si íbamos a reunir el mínimo de canciones necesarias. Pero a medida que iban llegando las canciones me fui sorprendiendo y alegrando. Algunas canciones son sencillas, otras más elaboradas. Algunas son más “caseras”, otras impresionantes corales, otras resultaron bandas hiperprofesionales!

Escucharlos, además de leerlos en los comentarios o en Facebook, es increíble. Repito, al principio dudé. Ahora, pensando en el rato que estuviste ocupado para armarlo (incluso algunos ocuparon días de grabación!) ya no lo dudo: es genial que haya sucedido!

El resultado?  Genial, divertido y sorprendente.  

Gracias por la buena onda… y Enjoy!!! 

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Album: The Covers – Vol. I
Album Artist: The Sacred Beatles
Year: 2013 – Bitrate: Variable @128/@320
Genre: Pop
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Tracks:
01 – The Long and Winding Road – (Daniel Cruz Vázquez)
02 – Can’t buy me love – (Elders and She)
03 – Lady Madonna – (Emilia Inés Vega)
04 – Come Together – (Parampará – Leo Andina)
05 – Here comes the sun – (Amigos de Vinilo)
06 – Julia – (Nicolobo Ramos)
07 – I want you (She’s so Heavy) – (Juan Avendaño)
08 – Blackbird – (Leo Andina – Carlos Giannetti)
09 – We can Work It Out – (Jorge Rosso)
10 – Something – (Lonpley)
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En los Estados Unidos se vivieron muchas veces situaciones bochornosas. La década del 80, y en particular durante el gobierno de Ronald Reagan, fue uno de los picos máximos del conservadurismo. Esa ola conservadora se ponía en evidencia en su fanatismo religioso, en su neo-liberalismo económico a ultranza (donde tuvo origen una crisis casi idéntica a la de las hipotecas del 2008 que costó 160 mil millones de salvatajes a estafadores tipo Ponzi).

Pero donde más se evidenció el estilo troglodita de pensamiento fue en las libertades individuales: la relación entre el arte y la censura.

Existe allí, desde 1985, la PMRC (Parents Music Resource Center – Centro de Recursos Musicales de Padres), formada por las esposas de diputados y senadores. Desde esos estrados, estas señoras comenzaron a calificar todo tipo de material de acceso público, como por ejemplo a la música.  Según las señoras, las canciones podían tener contenidos sexuales o violentos, aunque luego ampliaron el criterio aplicándoselo a los artistas. Fue así que grupos como Twisted Sister, AC/DC, Sheena Easton, Def Leppard, Prince y otros pasaron a ser “calificados” y censurados. Una de las personas más famosas que formaron parte de esos tribunales fue Tipper Gore (la esposa de Al Gore), y es muuuy recomendable ver a Frank Zappa, John Denver o Dee Snider declarando en el senado. Son tipos muy inteligentes, articulados, y agudos, explicando porqué consideraban al PMRC como un tribunal de censura.

Durante casi 3 años, y haciendo centro mayormente sobre Frank Zappa (por su aguda inteligencia, lo articulado al hablar y lo zarpado de su música y posiciones) programas de televisión, radio, reuniones oficiales, de organismos de control, y reuniones de diputados y senadores debatieron acerca de la “intervención de la moral sobre la libre expresión”.

Pero lo más patético sucedió con Styx. La PMRC los acusó de incluir mensajes satánicos en sus canciones si éstas eran reproducidas al revés. No logro imaginarme cómo llegaban a esas conclusiones… se sentarían a escuchar toda la música al revés hasta encontrar sonidos supuestamente satánicos? Se imaginan a esas madres (brujas!) escudriñando cada parte de cada canción de cada grupo musical para detectar donde podía haber un “diablo” escondido?

Si bien las declaraciones de los músicos de Styx fueron -mayormente- respuestas tolerantes y con humor tipo :”ya bastante nos cuesta hacer canciones al derecho como para suponer que podemos componer al mismo tiempo al revés”, lo cierto es que se demoraron las ediciones de los discos, se bloquearon durante meses las emisiones en las radios, y varios miles de dólares en abogados y asesores de imagen fueron necesarios para que su música fuese libre… otra vez.

Pasaron los años y la PMRC sigue vivita y coleando. Los músicos tranzaron en admitir los conocidos stickers de “Parental Advisory – Explicit Content”.

Nota: Para los que gusten de investigar un poco, busquen “pmrc senate hearing” en Youtube. Allí están las declaraciones de los músicos y discusiones con los trogloditas del senado. Y si querés leer los textos, o seguirlos mientras mirás los videos, aquí te dejo las transcripciones textuales del senado norteamericano.

Styx fue la banda de rock progresivo más Pop de los Estados Unidos. Creada por los hermanos mellizos Chuck y John Panozzo junto con el prolífico Dennis DeYoung. Muchas idas y vueltas han tenido desde su nacimiento en 1971.  La proporción de rock progresivo versus la de Pop Rock va variando, disco a disco, tema a tema. Hay grandes obras como Paradise Theatre, grandes hits como Babe, muchas Power Ballads, nada pretenciosos y en promedio exhibiendo un excelente y fino gusto musical.

Si bien la discografía completa debería incluir 5 o 6 discos más, hoy te traje un Sacred Box con la discografía indispensable, toda remasterizada, reeditada en Japón en 2009, y a 320@.

Ojo, todos vienen con Stickers!!

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Album Artist: Styx
The Sacred Box – Version: 2009 – Bitrate: @320
Genre: Progressive Rock
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Discs:
1975 – Equinox
1976 – Crystal Ball
1977 – The Grand Illusion
1978 – Pieces Of Eight
1979 – Cornerstone
1980 – Paradise Theatre
1983 – Killroy Was Here
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La mayoría de los grupos tienen un eje. Lennon & McCartney fue -quizás- el más exitoso de la historia de la música. Pero girando alrededor del rock que solemos escuchar hubo varios. Podemos citar a los Stones Jagger & Richards, Led Zeppelin con Plant & Page, Pink Floyd con Waters & Guilmour, Elton John & Bernie Taupin, o los Clash Strummer & Jones, y varios etcéteras más.

Focus es una banda Holandesa de rock progresivo formada en 1969. Sus músicos, en el año previo a su formación, se conocieron entre los cuatro cuando formaban parte de la banda que tocaba en vivo en las presentaciones del musical HAIR en su país. Luego de algunas idas y vueltas consolidan el grupo, y Thijs van Leer junto a Jan Akkerman se convierten en el eje creativo del grupo más exitoso de los países bajos.

Fue en el 2008 cuando por primera vez te hice un post de Focus. Hoy lo estaba releyendo y me dio nostalgia de lo escrito. Dejame que, esta vez, te transcriba lo que te conté aquella vez…

Yo debería tener unos 13 años. En mi casa había un equipo de  música al que llamábamos “combinado”. Se trataba de una bandeja giradiscos (el “tocadiscos”), y un amplificador cuya marca -no recuerdo exactamente ahora- creo que era la misma que la del Aire Acondicionado o la Heladera, y que estaba todo metido dentro de un mueble .

Lo recuerdo como si fuese hoy.  Mi hermano Julio le sacaba el papel “regalo” a su última adquisición. Yo miraba y admiraba en silencio de que manera con máximo cuidado extraía del sobre de cartón al vinilo, que a su vez estaba contenido en otro de plástico transparente. Dejaba el cartón y el plástico a un costado, y con mucha prolijidad pasaba una franela con movimientos circulares de ambos lados del vinilo. Todo eso, sin permitir que una sola huella digital quede impregnada sobre la superficie del disco.

Luego, observaba el disco a la luz horizontalmente y soplaba alguna pelusa rebelde que aún insistía en quedarse, lo apoyaba delicadamente sobre la goma de apoyo en el tocadiscos. Primero prendía el amplificador, que siempre hacía un ruido extraño al encenderse… algo así como una corta y ronca bocina que rápidamente se diluía. Luego, seleccionaba 33-1/3 en el selector de velocidad de la bandeja. Verificaba que la cápsula “Shure” se encontrara bien alineada, y que la regulación de peso no exceda los 3 grs.  Luego levantaba el brazo de la púa con una palanca que se encontraba a un costado de la bandeja, y con aguda observación se aseguraba que apoye delicadamente bien al principio del surco, esquivando el pequeño grosor adicional que tenían los discos en sus extremos, evitando así el derrape en el arranque.

Ese día, luego del ritual, se sentó en un sillón que estaba alineado a los parlantes, tomó la tapa de cartón en sus mano como si fuese un libro a leer, ya que allí se quedaría a lo largo de toda la reproducción.  Prendió un cigarrillo (aprovechando que mi padre no estaba en zona), me miró y me dijo con vos profunda: Harem Scarem es el mejor tema del Lado “A”.  Y comenzó a sonar Focus.

Ese día escuché por primera vez Hamburger Concerto.  Todavía lo escucho, y automáticamente recuerdo a Julio y sus rituales al vinilo.

Si tenés menos de 35 años, todo el procedimiento que acabo de contarte te puede sonar paleolítico, o peor aún: absolutamente incomprensible.  Y si nunca escuchaste Focus, pensá que 40 años atrás, cuatro locos en Holanda, fueron capaces de fusionar el incipiente sonido progresivo, con música clásica bien barroca, jazz y el mejor rock&roll, hasta lograr una maravilla musical.

Y si tenés algo más de 35, ya sabés de qué y quien te estoy hablando…

Hoy, pasados los 40 años de historia, Thijs Van Leer sigue sonando. Es un excepcional flautista y tecladista, y su estado de locura se mantiene intacto.

Acá vamos de nuevo. Te subí la discografía de Focus, un Sacred Box a 320@ con todos los artwork y versiones remasterizadas (la mayoría, K2 HD japonesas). Temas como Sylvia, Harem Scarem, Hocus Pocus y otros tantos hits hicieron que la banda holandesa obtenga el éxito y reconocimiento de la época. Hace pocos días, cuando nos escribíamos hablando de música clásica y rock en ocasión del posteo de Emerson, Lake & Palmer, nos preguntábamos si ese había sido el punto de partida en la fusión clásica-progresiva.

Bueno… A mí, anotame con Focus!!

Enjoy!! 

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The Sacred Box
Album Artist: Focus
Years: 1970 / 2012 – Bitrate: @320
Genre: Progressive Rock
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Disks:
1970 – In and Out of Focus
1971 – Moving Waves
1973 – Focus III
1974 – Hamburger Concerto
1975 – Mother Focus
1976 – Ship of Memories
1978 – Focus Con Proby
1985 – Focus  Jan Akkerman and Thijs Van Leer
2002 – Focus 8
2006 – Focus 9  New Skin
2012 – Focus X
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Desconocido en buena parte del público y creado por el cineasta José Mojica Marins, Zé do Caixão es uno de los iconos del cine de terror brasileño y del género.

Zé era en realidad Josefel Zanatas (por su origen griego ‘muerte’) un patrón oscuro y siniestro que se dedicaba a vender féretros. Se caracteriza por vestir siempre de negro, ocultar su lóbrego rostro bajo una enorme capa y un sombrero de copa y cabalgar en una oscura galera tirada por caballos. Otra de sus sangrientas características es la de poseer una enormes y desgarradoras uñas con las que suele atacar a sus víctimas.

La tradición habla de un hombre poco agraciado, pero bueno y bondadoso, que fue sanguinariamente asesinado junto a su bella y joven esposa Sara a manos de unos mercenarios. Josefel vuelve a la vida, bajo una apariencia demoníaca y umbría, para imponer la justicia y castigar a todas las almas infames (extendiéndose después al crimen sin motivo aparente) que se crucen en su camino, buscando de paso, una mujer ideal que sustituya a Sara, la perfección femenina hecha carne. ‘A sina do aventureiro’, realizada en 1958 se puede considerar la primera aparición en la gran pantalla de este clásico brasileño.

El debut oficial del enigmático agente de decesos se produce con ‘À Meia Noite Levarei a sua Alma’, la cual fue un auténtico fenómeno de taquilla en varios puntos de la geografía brasilera, ocasionando un inesperado éxito que conllevó a abundantes y sangrientas secuelas, canciones de moda con sus cruentas hazañas como estribillo, su propio ‘quadrinho’ o cómic y hasta un programa de televisión considerado un ‘boom’ catódico. Transmutado en ídolo de masas, Zé do Caixão pasó a la historia con letras de oro bajo el curioso designio del cine marginal y de bajo presupuesto.

El gran creador de todo el tinglado mítico-religioso fue el director y guionista José Mojica Marins, . Como toda buena idea de terror, el guión pasó de mano en mano sin que ningún productor viera productividad en un bosquejo lleno de sangrientas escenas con un personaje todo vestido de negro como protagonista. Creyendo ciegamente en el proyecto, el cineasta carioca se endeudó hasta las cejas y produjo ‘À Meia Noite…’ de forma individual. Incomprensiblemente, tampoco encontró a ningún actor que quisiera dar vida a Zé, así que se envolvió en su capuz negro y rodó, al estilo más cercano de Edward D. Wood Jr., el debut de la impía quimera brasileña.

Encuadrada en la serie Z, esta obra de culto incluía en su interior muchas de las secuencias que marcarían la tradición del cine ‘gore’ más aberrante y desprovisto de circunspección que se haya visto en la historia del género.

Para la segunda entrega “Esta notie encarnarei no teu cadáver” (1966) Mojica tiro toda la carne al asador en un filme donde redobla la apuesta en cuanto a sadismo en pantalla. En este caso el filme así como en la secuela de Frankenstein gira en la búsqueda de una compañera para Ze . Para ello se vale de cualquier método inclusive en alegoría a la Divina Comedia un descenso a los círculos del infierno. Aquí se vera en un clima alucinógeno un infierno de pecadores recibiendo su merecido castigo con cabezas colgando, miembros mutilados , trepanaciones craneanas y otras tropelías en una orgia de sangre y horror que genera una visión incomoda durante todo el filme.

Películas como ‘Finis Hominis’, ‘A meia noite levarei sua alma’ , ‘Exorcismo negro’ , ‘Delirios de un anormal’  y su filme más conocido (si es que alguien lo conoce), ‘El extraño mundo de Zé do Caixão’, imponen una desgarradora visión del mito que introduce imágenes nada habituales en la época (con varios problemas con la censura que llego a hacerle modificar varias escenas inclusive el final de “Esta noite..” donde tuvo que incluir mensajes de arrepentimiento a sus actos mientras era engullido por arenas movedizas) con las atrocidades que allí se mostraban: asesinatos, violaciones, necrofilia y canibalismo entre otras barrabasadas provistas de sangre e insania.

Así como se gano una multitud de enemigos con los años (especialmente entre directores envidiosos de su popularidad) también el éxito le dio un negocio anexo con la comercialización en Brasil de un muestrario de productos como muñecos para coches, varillas perfumadas para ahuyentar malos espíritus , botellas de cachaca, jabón , cremas inclusive dos discos para el carnaval de 1969 ‘Em cima da hora’ y ‘Castelo dos horrores’ donde va recitando trozos de su filosofía en una especie de rap. También publico varios libros que mezclaban comic y fotografías al estilo fotonovela.

Sitges, Ámsterdam, Fantasporto… son algunos de los festivales que le han dedicado retrospectivas a un hombre que, si bien ha sido descalificado por un crítica que desconoce su obra, ha sabido ganarse a todos los amantes del cine bizarro y convertirse, con el paso de los años, en un verdadero cineasta de culto.

“Mi mundo está lleno de cosas extrañas, Pero no más extrañas que tú” – JOSE MOJICA MARINS

FILMOGRAFIA DE JOSE MOJICA MARINS:
(Como director)
• 2007 – Encarnação do Demônio
• 1996 – Adolescência em Transe
• 1994 – Demônios e Maravilhas
• 1987 – Quarenta e Oito Horas de Sexo Alucinante
• 1986 – Dr. Frank na Clínica das Taras
• 1985 – 24 horas de sexo explícito ou 24 horas de sexo ardente
• 1984 – A Quinta Dimensão do Sexo
• 1983 – Horas Fatais – Cabeças Cortadas
• 1981 – A Encarnação do Demônio
• 1980 – A Praga
• 1978 – Mundo-Mercado do Sexo
• 1978 – Perversão
• 1977 – A Mulher Que Põe a Pomba no Ar
• 1977 – Estranha Hospedaria dos Prazeres
• 1977 – Delírios de um Anormal
• 1976 – Inferno Carnal
• 1976 – Como Consolar Viúvas
• 1976 – Mulheres do Sexo Violento
• 1975 – O Fracasso de Um Homem nas Duas Noites de Núpcias
• 1974 – Exorcismo Negro
• 1974 – A Virgem e o Machão
• 1972 – Quando os Deuses Adormecem
• 1972 – Dgajão Mata para Vingar
• 1972 – Sexo e Sangue na Trilha do Tesouro
• 1971 – Finis Hominis
• 1970 – Ritual de Sádicos
• 1968 – Trilogia do Terror
• 1967 – O Estranho Mundo de Zé do Caixão
• 1966 – Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver
• 1965 – O Diabo de Vila Velha
• 1963 – À Meia-Noite Levarei Sua Alma

Como son las tuyas? Nervioso por salir a una hora en particular? Arreglos previos en el auto? Micros que salen fuera de horario y cargando valijas por las calles?

El ponerse en marcha para el inicio de las vacaciones es una tarea inevitablemente estresante. Después de los 25 años de “protagonista”, la organización y posterior ejecución del plan vacacional sigue siendo para mí un verdadero pandemónium que requiere de un importante plazo adicional para poder recuperarme. Supongo que ha de ser porque cuando fuimos niños lo único que hacíamos era subirnos al auto de Papá y a los 5 minutos ya preguntar si faltaba mucho para llegar a la playa. Luego, a partir de los 16 o 18, las vacaciones eran expediciones a la libertad, hechas entre amigos, amigas novias, y demás compañías. Por algún motivo, las cosas van cambiando bastante con el paso de los años.

Ahora ya nadie nos prepara las valijas y nos sienta en el asiento trasero del auto, ni nos sirve Coca Cola a mitad de camino y nos canta canciones si nos aburrimos como cuando éramos niños. Y la sensación de ser dueños del mundo, tal como se sentía cuando éramos adolescentes, difícilmente regrese.

Yo llevo ropa en cantidades que nunca balancean. Quizás sólo 2 pantalones pero 15 remeras, Short y medias para gimnasia o running pero me olvido las zapatillas, y así… siempre más valijas que el resto. Mis desventuras con los lavarropas ya las conocen, y que entre mis destinos habituales suele estar Cariló, y este año no fue la excepción.

Estuve, como hace mucho que no sucede, ausente del blog durante varias semanas. Siempre atento a los comentarios, siempre atento a todo lo que participan y construyen en el grupo de Facebook, pero esta vez sin nuevos posteos. Pasé muy buenos momentos, tardes en la playa, paseos, y hasta tuve la oportunidad de compartir una cafecito con un lector del blog de Villa Gesell quien, atento a que yo iría hacia la costa, me invitó vía Facebook y allí nos conocimos. Conocerlo a él fue como conocer a muchos de ustedes. Federico, fue un gustazo.

Ahora, ya de regreso a mi Buenos Aires Querido, aquí estoy escribiéndoles nuevamente y tomando conciencia del tiempo que me obliga cada post y de la enorme cantidad de horas que pasamos juntos: vos allí y yo aquí.

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Bueno, basta de cháchara y a trabajar. Se acabaron las excusas. Hace pocos días, mientras meloneaba desde Cariló para ver lo que habían escrito ustedes en nuestro grupo de Facebook, un lector de Chile pidió por la discografía remasterizada de Emerson, Lake & Palmer. Y acá estamos!

En el post de FB consultaba por las ediciones Japonesas K2HD. Yo me tomé el atrevimiento de cambiar Tarkus y Trilogy por las ediciones de 1994 MFSL. Es casi un caprichito, pero analizadas las K2 dan un nivel de saturación altísimo… prefiero ajustar un poco el equalizador si se empastan un poco las MFSL que perder definitivamente rangos de audio. Para ejemplificar, aquí te muestro el mismo segmento de “Endless Enigma” de Trilogy, con el K2HD (a la izquierda) comparado con el MFSL (a la derecha). Mucho de lo que parece “escucharse mejor” es sólo porque se escucha mas fuerte… pero lo llevan a extremos donde todo choca contra el techo.

De todas maneras, son sutilezas que la mayoría de los reproductores de MP3 casi no logran poner en evidencia.

Y con respecto al trío… creo que no queda mucho por agregar que no hayamos dicho en publicaciones anteriores. Siempre pienso en qué hubiese pasado si Hendrix se hubiera sumado (falleció en 1970) para cumplir el proyecto original: formar HELP (Hendrix, Emerson…) en lugar de ELP. Te imaginás que música fabulosa hubiese salido de ese super cuarteto? Quizás pueda estar quedando pendiente un solo debate: Fue Emerson, Lake & Palmer la primer banda de rock sinfónico? O la más clásica? o influída por  los clásicos? Mucho de la fama de ELP se debe, justamente, a las obras de Mussorgsky y otros autores de hace años. Fue Emerson el primero en destrozar Moogs en escena con música clásica?

Quizás muchos dirían que destrozó mucha música clásica saltando en el escenario con su sintetizador Moog… Pero también hubo muchas otras bandas que aggiornaron a los clásicos. Contame… Vos, qué opinás?

Bueno amigos. Buena música, a compartir, y feliz reencuentro para todos!

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The Sacred Box! Emerson, Lake & Palmer Discography
Album Artist: Emerson, Lake & Palmer
Year: 1972 – Version: 1994 – Bitrate: @320
Genre: Progressive Rock
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Disks:
1970 – Emerson, Lake & Palmer
1971 – Pictures At The Exhibition
1971 – Tarkus
1972 – Trilogy
1973 – Brain Salad Surgery
1974 – Welcome Back My Friends
1977 – Works – Vol I
1977 – Works – Vol II
1978 – Love Beach
1992 – Black Moon
1994 – In The Hot Seat
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Cuando uno empieza a ver una película y el plano corta a un grupo de muchachos en una esquina con botellas o fumando sustancias extrañas sabe que la cosa se va a poner fea. Irremediablemente alguien la va a pasar mal, muy mal… pero por suerte desde principios de la década del 70 el cine descubrió un nuevo género: los justicieros urbanos.

Dentro de este género podemos hacer una arbitraria división:

POLICIAS DUROS: son agentes de la ley con serios problemas morales con la fuerza. Por algún motivo especial que desconocemos muchas veces su vida profesional hace un click y se pasan por ya saben dónde el reglamento. Generalmente en algún momento entregan su placa y su arma lo cual no les impide seguir repartiendo golpes y balas a diestra y siniestra. Ejemplo: Harry el Sucio (1971).

VIGILANTES: hombres y mujeres (si! mujeres, ya verán) que ante la pasividad del accionar de la policía deciden tomar la justicia por sus manos. Se destacan porque pese a no manejar armas ante la necesidad se vuelven precisos como un experto tirador de la nada además de sufrir generalmente en su familia todo tipo de vejaciones. Ejemplo: El vengador anónimo (1974)

VETERANOS DE GUERRA: generalmente héroes de guerra que al volver a la ciudad deambulan o viven en forma muy modesta y que nunca sabremos por que comienzan a ser instigados lo cual desencadenara en venganzas sin fin. Imagínense el ítem anterior acerca de transformaciones de gente común, pero potenciado con entrenamiento militar. En algún momento de la trama aparecerá algún ex oficial que lo entreno y podrá controlarlo o no. Ejemplo: Rambo (1982)

Ahora vamos a un pequeño e ilustrativo muestrario de los mas famosos vigilantes urbanos del cine:

HARRY EL SUCIO: De la mano del director Don Siegel y del guionista Dean Riesner (un amigo íntimo de Clint Eastwood) revitalizaron al género creando al detective Harry Callahan. En la primera entrega un sicópata llamado Scorpio (Andy Robinson) somete a la ciudad. Capturado, es torturado por Harry para extraerle una confesión por lo cual el fiscal renuncia a presentar cargos en su contra. Así asqueado por la situación decide resolver los problemas a su forma. Despiadado, implacable, y capaz de cualquier cosa con tal de atrapar a los malos de turno con su Magnum, Harry el sucio tuvo 4 secuelas: Magnum Forcer (1973), The Enforcer (1976), Sudden Impact (1983) y The dead pool (1988).

EL VENGADOR ANONIMO: Aunque Harry el sucio creó un estilo en cuanto a policías duros, el verdadero justiciero urbano fue John Kersey (Charles Bronson) en Death Wish aquí conocida como El Vengador Anónimo. Kersey, un agente inmobiliario que cree que la violencia es una cuestión educacional, sufre el ataque de unos freaks (jóvenes Jeff Goldblum y Denzel Washington entre otros) que matan a su esposa y dejan en coma a su hija. Así el tranquilo hombre de negocios muta en un justiciero implacable que sale de cacería con métodos absolutamente brutales. En esta entrega cuenta además con la complicidad del fiscal de turno y de la policía que avalan su accionar. Tuvo 4 secuelas donde después de la segunda uno empieza a dudar de la mala suerte de este hombre quien rehace su matrimonio y vuelve a sufrir la violencia en sus familias. Les digo más: en la parte 3 o 4 uno empieza a palpitar con claridad cuando será que llegan los malos a matar y violar. Solo en la última entrega su hija muere por sobredosis pero de todas formas desencadena la ira del imparable Kersey.

RAMBO: Despues de Rocky llega un nuevo estilo de justicieros urbanos. Con serios problemas para adaptarse a la vida social y después de ser condecorado en        Vietnam, llega al pueblo de Hope después de visitar a un excompañero. Allí en una confusa situación termina en la comisaria del lugar golpeado por otros oficiales. Cuando intentan afeitarlo ante la proximidad de la navaja y con su mente bombardeada por fantasmas de su pasado huye hacia el bosque en una moto robada. Lo que en un principio seria un incidente menor termina en un ensañamiento contra Rambo por la muerte de un oficial sin tener en cuenta que es un experto en armas y supervivencia en los bosques o jungla. Por supuesto en un momento aparecerá el coronel Trautman su oficial al mando para advertir a la gente del pueblo que terminará –inclusive- convocando a la guardia nacional. El filme tuvo 3 secuelas más, la ultima 16 años después de la primera con un Rambo ya trasladado fuera de la ciudad dirigida por el propio Stallone.

Otros casos de justicieros urbanos

OPERACIÓN CACERIA: Jean Claude Van Damme interpretando a Chance Boudreaux un marinero vagabundo que es perseguido por un criminal (Lance Henrikksen) quien organiza cacerías clandestinas de humanos.

DIFICIL DE MATAR: Steven Seagal interpreta a Maton Morse, quien es atacado por unos sicarios matando a su mujer, hiriendo a su hijo y dándolo a él por muerto. Grave error… vuelve más feroz que nunca.

UN DIA DE FURIA: difícil de catalogar como justiciero urbano ya que D-Fens (Michael Douglas) sólo quiere llegar a su casa para ver a su hijita. Pero un enorme embotellamiento lo lleva en un espiral de violencia imparable contra el sistema.

EL CUERVO: aquí el vengador es un rockero (Brandon Lee) a quien matan junto a su novia y abogado. Él revive para vengarse gracias a la acción de un espíritu. El actor murió durante el filme y fue digitalizado para terminarlo.

ANGEL: y para terminar una “vengadora”. Molly (Donna Wilkes) es durante las horas del día la mejor de su clase, mientras que de noche hace la calle en Sunset Boulevard. Cuando asesinan a Mae, su única amiga y travesti, Molly toma un arma y sale a la caza de los maniacos.

Hay muchos mas casos de justicieros urbanos sobre todo en la década de los 80 con la aparición de los VHS, pero sepan que todo criminal que deambula por esquinas oscuras o callejones de Hollywood puede terminar brutalmente aniquilado por el mas simple ciudadano!!

“Premiata Fornería Marconi” tuvo dos problemas: El primero es que nacieron y editaron discos contemporáneamente con Emerson Lake & Palmer, Yes, Pink Floyd y Genesis, con lo cual la competencia en ese mismo segmento musical era feroz por la elevada calidad de los players vigentes, y el segundo era que, justamente por ser italianos, sus letras no estaban en inglés.

En un sentido estrictamente de mercado, el monopolio anglosajón mantenido por el eje Inglaterra-Estados Unidos era infranqueable. Y el idioma era definitivamente una barrera para el desarrollo del grupo. Quizás por eso es que no fue tan famosa la buenísima banda japonesa Kenso, los franceses de Aphrodite’s Child (de donde salió Demis Roussos), o los divertidos suecos Samla Mammas Manna, u otros italianos: Banco del Mutuo Soccorso, Acqua Fragile y otras. Vamos a hacer algunos posteos de estas excelentes bandas no tan difundidas por nuestras queridísimas compañías discográficas.

El nombre significa “Primera Panadería Marconi”, y proviene justamente de la panadería en cuyo sótano ensayaban, allí en el norte de Italia cuando la banda comienza su recorrido en los finales de los 60´s. Sin embargo, recién en 1972 editan su primer LP, “Storia di un Minuto” siendo ese su formal lanzamiento al mercado profesional. En Italia ya lograban ser reconocidos, lo que les permitía ser banda soporte cuando los supergrupos ingleses giraban por la península.

Ese mismo año, ya grabando en estudios más profesionales y en 16 pistas, sale al mercado “Per un Amico”. Todas las críticas utilizan muy correctamente la expresión “más refinado” para referirse a la característica de este disco en relación al primero.  La grabación llega a manos de Greg Lake, quien les propone un contrato con Manticore Records -el sello de Emerson, Lake & Palmer- para regrabarlos y distribuirlos. A efectos de lograr la deseada internacionalización, los temas son regrabados con arreglos de Greg Lake, y con nuevas letras (no traducciones), del amigo Peter Sinfield (King Crimson), y reeditados en el disco Photos Of Ghosts.  De allí se les tendió el puente de plata para el mercado americano.

Luego vendría L’isola di niente en (1974), reeditado también por Manticore (con la misma estrategia de letras en inglés de Sinfield) bajo el nombre  The World Became the World.

Con el mercado americano a su disposición, comenzaron las giras fuera de Europa junto a nombres como The Beach Boys, The Allman Brothers, Aerosmith, ZZ Top, Peter Frampton, y otros.  Sin embargo, la banda era criticada como débil por no tener un cantante con voz distintiva.  No todos tienen a Ian Gillan, Robert Plant o Jon Anderson al frente de sus filas, pero durante las giras por Estados Unidos las presiones crecieron.  En ese mismo año, otro gran grupo italiano perdía a su vocalista. Bernardo Lanzetti, de Acqua Fragile, tenía una ventaja fenomenal: hablaba bien inglés.

Bernardo fue convocado e incorporado inmediatamente. Pero como siempre ocurre, de la mano de los éxitos vienen los problemas…

El nuevo “supergrupo” edita Chocolate Kings (1975). El disco es buenísimo pero era tan enorme la expectativa que la crítica lo castigó injustamente.  Los tours? No paraban! Fijate este poster… tocaban uno de cada tres días por todos los Estados Unidos… Te cuento un datito poco conocido? Sabías que los saxos, durante ese año y el siguiente, fueron ejecutados por el talentosísimo  argentino Leandro “Gato” Barbieri??

Luego vino Jet Lag, en 1977, pero junto con la edición del disco Bernardo Lanzetti abandona el grupo y la magia comenzaría a disolverse.  Cambios permanentes en la banda, tensiones entre los mercados y gustos americanos versus los europeos, y algo de crisis adolescente… PFM ya no volvería a ser igual.

Aunque parezca mentira, Premiata Forneria Marconi sigue sonando hasta estos días.    De hecho sacaron un nuevo disco hace uno o dos años atrás. Pero, para ser honesto, así como soy fanático de la música contemporánea latinoamericana, debo reconocer que no hubo nada mejor en música progresiva como el movimiento de fines de los 60´s y comienzos de los 70´s. Y en esa etapa de gloria, PFM tiene su lugarcito.

Para hoy te traje el Sacred Box de los años dorados de Premiata. Está compuesto por los discos editados desde sus inicios en 1972 con Storia Di Un Minuto, hasta 1977 con Jet Lag. El Box incluye el Cd triple Cook, donde hay buenísimas versiones en vivo de sus mayores éxitos. Para que no se pierdan.

Grosssssssso!

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The Sacred Box
Album Artist: Premiata Forneria Marconi
Year: 1972 / 1976 – Bitrate: @320
Genre: Progressive Rock
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Discs:
1972 -  Storia Di Un Minuto
1972 – Per un amico
1973 – Photos Of Ghosts
1974 – Cook
1974 – L’isola Di Niente
1974 – The World Became The World
1975 – Chocolate Kings
1977 – Jet Lag
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Enjoy!!!!

…….

Paremos los motores por unos segundos.

…….

¿Lo escuchan?

……..

Volvamos a poner en marcha los motores.

¿Altitud?

12.525 metros

El capitán siempre descendía del avión con un semblante entre misterioso y esperanzado

Las azafatas y yo bajábamos con miedo, mucho.

Siendo  el segundo al mando debes informar a seguridad aeronáutica.

Eso no lo hacen los amigos, entiendan… hace poco que es viudo y es muy duro.

Si se quiere matar que lo haga solo.

Evité que las chicas hicieran la denuncia con la promesa de convencerlo que no lo hiciera más.

¿Café en el aeropuerto? Si sabes que es horrible!!!

Tenemos que hablar Carlos, es importante.

¿Es por lo que escucho?

 Si

No sé, al llegar a los 13.000 mts. algo me llena de energía y escucho…

¿Qué escuchas? ¿La voz de Laura?

No sé definirlo…quisiera… no tuvimos un último diálogo, no hubo un adiós, como si tuviera algo para decirme …Siento que su voz está debajo de una montaña de susurros.

Carlos,  no podemos parar los motores, podrían no volver a ponerse en marcha, las chicas y yo estamos asustados pero más nos preocupas vos.

Busquemos una ayuda, no sé… hablemos más…soy tu amigo.

Lo sé y te agradezco la preocupación. Te prometo que no lo hago más……

Desde ese día, Carlos se hizo fortaleza en su silencio y la paz le llenaba la expresión como si un Picasso del más allá se la hubiera dibujado en la cara. Su atención al gobierno de la aeronave se hizo total y todos volvieron a la antigua tranquilidad menos yo.

Creo que alcanzó la paz porque al fin recibió el mensaje, no sé cómo ni donde, porque ahora solo me habla por cuestiones profesionales.

Ahora soy yo el que trata de esconder su inquietud a los 13.000 mts de altura.

Ahora soy yo el que desespera al llegar a los 13.000 mts. de altura, esperando el mensaje de la  mujer que los dos amamos.

.

.

Justamente, mientras miraba a un empresario filántropo hablando acerca de Bután, un pequeño país situado al norte de China donde la felicidad es una cuestión de estado, recordé que hace unos años que se elabora el Happy Planet Index sobre 150 países, al que estuve estudiando y sorprendiéndome con algunas conclusiones que quería compartir con vos. Algunas cosas son esperables, y otras son sorprendentes. En el mapa podés observar los verdes (pueblos más felices), amarillos (más o menos felices), naranjas (pocos felices) y rojos (casi nada felices). Fijate algunos datos:

El país (su gente) más feliz del mundo es Costa Rica. Entre los primeros 25 están, Colombia, Belice, El Salvador, Jamaica, Panamá, Nicaragua, Venezuela, Guatemala, Cuba, Honduras, Argentina, Chile, Brasil, México, Ecuador y Perú. O sea, 17 de los 25 países más felices de la tierra son latinoamericanos.

Yendo hacia el medio de la tabla, nos encontramos a Japón en la posición 45, Alemania 46, Francia 50, Italia en la 51 y España en la 62.

Analizando la lista desde abajo, en el último tercio nos encontramos a Estados Unidos (posición 105), luego más abajo Bélgica, Dinamarca, Rusia, Emiratos Árabes, Luxemburgo, Kuwait y otros.

Es interesante… a veces cuando me mezclo en una discusión de política, siempre me molesto cuando me hablan tomando como verdad revelada al PBI, cantidad de ricos, riesgo país, o cantidad de grandes edificios corporativos. Una vez más, y a esta altura parece una obviedad pero siempre es bueno recordarlo: qué lejos estuvo siempre la felicidad del poder y de la riqueza, verdad?

King Crimson es una banda solista. Todo el proyecto, desde que nació en 1969 hasta estos días, se trata casi exclusivamente acerca de la locura de Robert Fripp.

En orden de importancia podríamos agregar a Peter Sinfield, quien fuera responsable de los Lyrics de toda la primer época. Pero luego, si bien los nombres son enormes, siempre giraron alrededor de Fripp, entrando y saliendo de la banda dependiendo de su humor (que por cierto se conoce que es tísico, neurótico, e insoportable).  Quienes son esos músicos? nada menos que Greg Lake (quien dejaría la banda para sumarse a su trío con Emerson & Palmer), Bil Bruford (Yes, Roy Harper, Genesis, Al Di Meola), Tony Levin (Pink Floyd, Paul Simon, Peter Gabriel, Gary Burton, James Taylor, Dire Straits, Carly Simon, Peter Frampton, Anderson Bruford Wakeman Howe), y unos de los más resistentes: Adrian Belew (Talking Heads, David Bowie, Frank Zappa, y Nine Inch Nails).

Todo comenzó a mediados de 1967 cuando con un par de hermanos formaron Giles, Giles & Fripp. Sacaron un disco, The Cheerful Insanity, al tiempo que el trío iba ya perdiendo fuerzas como grupo en sí. Uno de los músicos que con ellos tocaba, Ian McDonald, le presenta a Peter Sinfield… con él nace The Court of the Crimson King, y todo se puso en marcha.

In the Court of the Crimson King (1969), fue un emblema de la época. Peter Sinfield seguía, pero el resto de la banda era un caos. Los siguientes 3 discos (In the Wake of Poseidon en 1970, Lizard en 1970, e Islands en 1971) son sólo un esfuerzo por darle continuidad al disco inicial.  Finalmente, a partir de 1972 hay una completa renovación de “acompañantes”. Fripp sólo deja el nombre del grupo y le da paso a John Wetton y a Bill Bruford. Nace con ellos una nueva etapa grabando Larks’ Tongues in Aspic (1973), luego Starless and Bible Black (1974) y el recordado Red en 1974.

La última etapa se inaugura en los 80´s con la llegada de los enormes Adrian Belew y Toni Levin. De esa mixtura nacen Discipline (1981), Beat (1982), y Three of a Perfect Pair en 1984. Luego vendrán trabajos más esporádicos, regresando casi 10 años después con THRAK en 1995, The ConstruKction of Light en 2000, y finalmente The Power to Believe en 2003. Todo esto puede verse con claridad en la línea de tiempo gráfica que armé sobre la base de la Wiki. Es una ensalada de colores!

 Qué te traje para hoy? Uno de los Sacred Box más pedidos por ustedes. Te armé la discografía King Crimson. Desde el primero hasta el último. Pero hay una consideración: tuve que elegir entre montañas de versiones. Están las originales, las digitalizadas, los primeros remasters, las (pocas) versiones MFSL, las remasterizaciones japonesas y, finalmente, las 40th Anniversary. Bueno… me volví loco. Descarté las versiones alemanas, remasters desconocidos, y los MFSL por no cubrir la discografía de manera pareja. Luego extraje el audio de los DVD’s de la última versión (40th), comparé los stereo remix con los Japoneses de la versión 30th Anniversary, y decidí.

Para mí, humildemente, el único valor que tienen los DVD’s de la versión 40thAnniversary son los efectos DTS Surround. O sea, si tenés una sala de cine (aunque sea hogareña), quizás le sacás algún provecho. De lo contrario, es como escuchar los discos desde adentro de un caño. Así que hice limpieza y dejé la versión 30th Anniversary, salvo los últimos 3 que no fueron remasterizados.

Pero sabés que agregué?  Cuando te bajes el torrent vas a encontrar el archivo excel con todos los datos del Happy Planet Index que te contaba al principio del post. Esto no tiene todas las respuestas, sino que sólo algunos indicios. No es tan importante, pero ya que bajás la música, abrí el archivo, ordenalo de diferentes maneras, te pido que reflexiones solamente un minuto acerca de qué es importante y qué cosa no lo es.

Quizás, tengamos suerte…

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Album Artist: King Crimson
Full Studio Discography – The Sacred Box
Year: 1970/2003 – Bitrate: @320
Genre: Progressive Rock
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Discs:
1969 – In The Court Of The Crimson King
1970 – In The Wake Of Poseidon
1970 – Lizard
1971 – Islands
1973 – Larks’ Tongues In Aspic
1974 – Red
1974 – Starless And Bible Black
1981 – Discipline
1982 – Beat
1984 – Three Of A Perfect Pair
1995 – THRAK
2000 – The ConstruKction Of Light
2002 – Happy With What You Have To Be Happy With
2003 – The Power To Believe

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Enjoy!!!!

El 31 de Diciembre de 2008 fue el primer fin de año del blog y fue, a su vez, la primer vez en que te escribí unas líneas que no tenían que ver estrictamente con el disco. O sea, el 31 de Diciembre de 2008 fue la primera vez en que ustedes y yo dialogamos, donde ustedes me dejaron decenas de saludos y yo comenzaba a comprender la magnitud de lo que se había puesto en marcha.

En 2009 llegábamos a las 300 mil visitas.  Festejamos que éramos varios los locos que gustábamos de lo mismo, así que: meta para adelante. En Diciembre de 2010 hablamos acerca de cómo analizar el año que había pasado y cómo pararse con miras al siguiente.

En 2011 ya habíamos superado el millón de visitas. Pusimos música de Los Jaivas, Oscar Peterson, Steely Dan, y Eric Clapton con Jeff Beck y Jimmy Page.

Hoy vuelvo a dar el presente el último día del año. Ya estamos casi en 2013… vos seguís allí y yo aquí. Casi provocaron 2 millones de visitas, otros amigos escriben contenidos, y soportamos -vos y yo- mil tormentas (te acordás? cuando nos echaron de blogspot, la apertura de sacredmonster.com.ar, el bloqueo de Rapidshare, el cierre de Megaupload, la suspensión de cuentas de Mediafire), más de 1000 miembros tiene el grupo de Facebook, yo tuve gripes, novias que fueron y vinieron, negocios que fracasaron y otros que resultaron buenos, cansancio y entusiasmo, y cientos de etc., etc.

Vos pasaste por cosas similares. Recibí decenas de emails con historias de vida de todo tipo que me hacer entender que cada numerito en “visitas” es un “vos” con toda tu vida sobre los hombros.

Para festejar este nuevo año juntos te traje dos discografías. La primera es la de Fleetwood Mac. La histórica banda que supo tener a Peter Green cuando deja la banda de John Mayall, junto a John McVie, Stevie Nicks, Lindsey Buckingham y Mick Fleetwood. Todas las épocas, desde sus orígenes como banda de Blues, pasando por el folk rock, hasta el final con un amable y suave rock. Son 21 discos, que van desde 1968 hasta el 2003, en versiones remasterizadas, con algunos “vivos” excelentes. Es una discografía indispensable de punta a punta.

La segunda es la discografía remasterizada completa de Supertramp. El grupo fue un monstruo de dos cabezas desde 1969 hasta 1983 dirigido por Rick Davies y Roger Hodgson. Los logros habían sido espectaculares. La brillantez y espectaculares arreglos los llevó al éxito y enormes obras se fueron sucediendo (Crime of the Century, Crisis What Crisis, Even in…, Breakfast in America, etc.). Como otras tantas veces los celos y el divismo destruyó la continuidad de la banda.  Hodgson se va, queda Davies por unos años (los últimos dos discos) y luego el final. Para muchos fue el mejor grupo de “pop progresivo” de la historia.  Son 10 discos espléndidos que no puede faltarte ninguno.

Arranquemos el 2013 con mucha música. Si, si… sé que me estoy yendo de mambo con las discografías, pero es que son fechas especiales y hay mucha, pero mucha música para compartir.

Te deseo un gran, pero gran año nuevo!

Enjoy!! 

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Album Artist: Fleetwood Mac
The Sacred Box – Bitrate: @320
Genre: Rock
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Discs:
1968 – Mr. Wonderful
1968 – Peter Green’s Fleetwood Mac
1969 – Then Play On
1970 – Kiln House
1971 – Future Games
1972 – Bare Trees
1973 – Mystery To Me
1973 – Penguin
1974 – Heroes Are Hard to Find
1975 – Fleetwood Mac (U.S. Deluxe & Expanded Edition)
1977 – Fleetwood Mac – Rumours
1979 – Tusk – Cd 1
1979 – Tusk – Cd 2
1980 – Live – Cd 1
1980 – Live – Cd 2
1982 – Mirage
1987 – Tango in the Night
1990 – Behind the Mask
1995 – Time
1997 – The Dance
2003 – Say You Will (Limited Edition)
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Album Artist: Supertramp
Remastered Discography – The Sacred Box!
Year: 1970 / 1987 – Version: 2008 – Bitrate: @320
Genre: Rock
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Discs:
1970 – Supertramp
1971 – Indelibly Stamped
1974 – Crime of the Century
1975 – Crisis What Crisis
1977 – Even in the Quietest Moments
1979 – Breakfast in America
1979 – Paris
1982 – Famous Last Words
1985 – Brother Where You Bound
1987 – Free as a Bird
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Supertramp!!

Fleetwood Mac!!

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Enjoy!!!!

Para este 2013, el Sacred Monster estuvo pensando mucho cuál podía ser el mejor deseo. Y ya no me caben dudas, lo mejor que puedo desearte es que aprendas a volar…

El Sacred -finalmente- se volvió chapita, se terminó de volver loco, pensarás.

No sé si es tan así, pero te cuento de donde sale todo esto: Me tomé unos días para irme a la costa. Como ya te conté otras veces, me considero un “lector optimista”, eso es: me llevo 5 libros para leer aun cuando sé que no tendré tiempo para terminar de leer uno. Lo cierto es que estaba sentado frente al mar, cuando mágicamente aparece Oliverio Girondo diciendo así:

No sé, me importa un pito que las mujeres tengan los senos como  magnolias o como pasas de higo; un cutis de durazno o de papel de lija.  Le doy una importancia igual a cero, al hecho de que amanezcan con un  aliento afrodisíaco o con un aliento insecticida.

Soy perfectamente capaz de soportarles una nariz que sacaría el primer premio en una  exposición de zanahorias; ¡pero eso sí! -y en esto soy irreductible-  no les perdono, bajo ningún pretexto, que no sepan volar.

Si no saben volar ¡pierden el tiempo las que pretenden seducirme! Ésta fue – y no otra – la razón de que me enamorase tan locamente, de  María Luisa.

…

Así es el comienzo de uno de tantos geniales relatos de Oliverio. Lo escribió hace 70 u 80 años. Hoy, quien haciendo una pausa en su lectura de Sándor Márai me puso el libro de Girondo en mi mano, abierto en justo en esa página para que yo lea, es una morocha de ojos verdes. No es una morocha cualquiera, no. Ésa es mí morocha de ojos verdes. Claramente sabe volar, y llevarme con ella.

Este año, nos abandonaron grandes de la música. Todos los Diciembre hacemos una necrológica lista de aquellos que ya no estarán con nosotros. Esta vez perdimos (entre muchos otros) a Jon Lord, a Chavela Vargas, Ravi Shankar, Robin Gibb, Dave Brubeck, Donna Summer y Whitney Houston… Más cerca, perdimos a Leonardo Fabio, a Fattoruso, Adriancito Otero, a la señora Leda Valladares, al maestro Spinetta, a Badia que nos ayudó a conocerlos a todos, mientras seguimos esperando por el regreso de Ceratti.

Cuando vemos estas listas (además de las personales) tomamos conciencia de lo efímero que es todo. El presente, así, tiene el máximo peso. Soltemos el pasado sin ignorarlo, y -como dijo alguien mucho más inteligente que yo- caminar mirando las estrellas pero con los pies en la tierra. El presente hay que sentirlo, abrazarlo, y exigirse a disfrutar al máximo posible.

Por eso, para estas Navidades, no voy a desearte lo que todos formalmente desean. El Sacred Monster te desea para éstas en particular, considerando su propia experiencia, y tal como bien dice Girondo: que aprendas volar…!

Ya me lo pidieron 1000 veces, así que aquí va el post navideño: Queen, The Sacred Box.  Ojo: No es el mismo que el anterior. Esta vez volví a procesar los Wav´s, Flac´s, e ISOs, de nuevas y viejas versiones. La amplitud de señal equivale al 90% de un flac tradicional y todo quedó sonando 10 puntos!

Son 15 discos. Los 15 que componen la discografía en estudios de Queen, desde 1973 hasta Made In Heaven de 1995. Todos completos, con artwork y tagueados como corresponde. Un Sacred Box navideño para que todos podamos volar…!

Felicidades para todos, los quiero mucho!!

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Box Name: The Sacred Box
Number of Disk: 15
Album Artist: Queen
Version: 2001/2004 – Remastered Japanese Versions – Bitrate: @320
Genre: Rock
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Disk:
01 – Queen I
02 – Queen II
03 – Sheer Heart Attack
04 – A Night At The Opera
05 – A Day At The Races
06 – News of the World
07 – Jazz
08 – The Game
09 – Flash Gordon
10 – Hot Space
11 – The Works
12 – A Kind Of Magic
13 – The Miracle
14 – Innuendo
15 – Made In Heaven

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Enjoy!!!!

El coche se hamacaba rezongando la altura;
un galerón enfático, enorme, funerario.
Cuatro tapaos con pinta de muerte en la negrura
arrastraban seis miedos y un valor desvelado.
Junto a los postillones jineteaba un moreno.
Ir en coche a la muerte ¡qué cosa más oronda!
El general Quiroga quiso entrar en la sombra
llevando seis o siete degollados de escolta.

Un 25 de Marzo de 1977 “Neurus” (tal el apodo que la forzada clandestinidad le otorga) se ha disfrazado para poder llegar a una cita en la esquina de San Juan y Entre Ríos.

Quizás portaba la “Carta Abierta a la Junta Militar” que meses antes había escrito para denunciar que el genocidio del gobierno de facto no era más que una forma de desarticular toda posible resistencia a un plan económico feroz con los sectores más desprotegidos…

Él, que era un especialista en contrainteligencia, tal vez sabía que un grupo de Tareas de la Armada comandado por Astiz lo estaba esperando.

Rodolfo Walsh va camino al muere…

1er Movimiento: la novela de enigma y el Ajedrez.

Nacido en Choele-Choel en 1927, trabaja a partir del año 1944 como corrector de la editorial Hachette -publica la Antología del Cuento Extraño y Diez Cuentos Policiales Argentinos-, escribe cuentos infantiles, policiales y artículos periodísticos en las revistas Leoplán y Vea y Lea.

Su primer libro de cuentos se titula Variaciones en Rojo donde ya se observa la gran maestría para el policial en relatos como “la aventura de las pruebas de imprenta y “Asesinato a distancia”.

Luego se sucederían otros memorables relatos policiales como “Nota al Pie” “Esa Mujer” “Ese Hombre” y “Zugswan” entre otros.

2do.Movimiento: del Ajedrez al escritor comprometido

Corría el año 1956 y RW escucha en un café de La Plata donde iba a jugar ajedrez que “Un fusilado vive”, esa persona imposible se llama Livraga y fue fusilado y dado por muerto pero detrás de este oxímoron el escritor constata que el poder mata, y que mata sin reglas sin honra, sin dignidad.

La revolución libertadora empieza a aparecer ante los ojos de aquel ingenuo antiperonista como una verdadera máquina de terrorismo político que solo busca desarticular al movimiento obrero ya con su líder en el exilio.

Walsh titula su investigación “Operación Masacre”, el libro es claramente incómodo para el poder dado que pone al descubierto sus mentiras, por eso nadie quiere publicarlo “Esta es la historia que escribo en caliente y de un tirón, para que no me ganen de mano, pero que después se me va arrugando día a día en un bolsillo porque la paseo por todo Buenos Aires y nadie me la quiere publicar y casi ni enterarse”.

Al final se logra publicar con el subtítulo “Un Proceso Que No Ha Sido Clausurado”, de Ediciones Sigla, sostenida por Jorge Ramos Mejía, propiedad de Sánchez Sorondo, Reeditada por Ediciones de la Flor respetando la imagen del original (Francisco Goya “Los fusilamientos del tres de mayo”).

Esa primera investigación novelada le descubre un plano de la realidad que no se podían resolver como un enigma de las amadas novelas policiales y tampoco como una jugada de ajedrez, el monstruo no es Teseo sino el poder que mata miente y se enriquece, y en el próximo trabajo se encarga de los asesinos y traidores del movimiento Obrero (“Quien mató a Rosendo”).

Y siguió con otra reveladora investigación de cómo también el crimen puede mostrar la relación de la política y los medios masivos (“el caso Satanosky”).

Los tres libros son el inicio de lo que hoy llamamos en la Argentina “periodismo de investigación”, un género que hizo escuela en toda una generación de periodistas, y también se la puede ubicar en esa zona de la producción literaria que, a partir de Mailer y Capote, se ha dado en llamar “non fiction”.

Tanto Capote como Walsh literaturizan el relato periodístico, pero mientras que el autor de “A sangre fría“ explora la psicología de marginales transformados en brutales asesinos dentro de un tenso proceso judicial que los condena, Walsh se enfrenta al simulacro de justicia del poder que asesina para defender sus intereses, Walsh no buscar ornamentar su ego y si utiliza elementos del genero policial como el suspenso es para que sea la población la que lea masivamente sus novelas de denuncia y no un círculo de iniciados como los que aplaudieron, originalmente, la novela de Capote que es bueno decir que publicó su novela 6 años después que Walsh.

Pero volvamos a aquel 25 de Marzo de 1977…

Quizás como una parábola del destino su última jugada ya no es jugar, es sentirse en esa posición Zugswan, descripta en su cuento homónimo a través de uno de sus personajes: “Cuando cualquier movimiento de piezas implica la obligación de realizar una jugada que provoca empeorar su situación, y de forma particular perder la partida”

Unos dicen que lo vieron defenderse con un calibre 22 de Astiz y su grupo de tareas, otros lo ven herido y arrastrado hacia la ESMA, lo cierto que a 35 años de aquel día, Walsh mismo se ha transformado en un “fusilado que vive” ya que cada lector que lee sus novelas y sus cuentos reconstruyen no solo su literatura sino también su vida y su compromiso por transformarla.

FÚTBOL

Película : Escape a la victoria (1981)
Actores: Sylvester Stallone, Pelé, Michael Caine, Max von Sydow, Paul Van Himst, Osvaldo Ardiles, Bobby Moore, Mike Summerbee
Director: John Huston
Un grupo de prisioneros en el Paris ocupado por los Nazis juega por su libertad.

Silvestre Stallone, Michael Caine y Max von Sydow protagonizan este glorioso filme dirigido por el legendario gran D.T. John Huston. El partido culminante es un espectáculo acrobáticas increíbles con un Stallone al mas puro estilo Pato Fillol y al que se le suman leyendas del fútbol como Pelé, Bobby Moore, Osvaldo Ardiles entre otros.

Otras películas de futbol: Tiro penal (2001), Shaolin Soccer (2001) esta ultima con monjes shaolines jugando futbol al estilo Matrix

BÁSQUET

Pelicula  : Space Jam (1996)
Actores: Michael Jordan, Bugs Bunny, Wayne Knight, Theresa Randle, Danny DeVito
Director: Joe Pytka

Un grupo de extraterrestres secuestra a los grandes basquetbolistas y propone un juego para quedarse con Bugs Bunny y sus amigos. Pero olvidan llevarse a Michael Jordan que para esa época era “Jugador de Béisbol” . Un equipo invencible con el talento de Michael Jordan y la magia de los Looney Tunes para ganar la medalla

Otras películas de básquet : Los blancos no la saben meter (1992) , Muchacho lobo (1985)

BOXEO :

Película : Snatch (2000)

Actores: Benicio Del Toro, Dennis Farina, Vinnie Jones, Brad Pitt, Rade Serbedzija, Jason Statham
Director: Guy Ritchie

Ni Rocky Balboa , ni Apollo Creeid ni Ivan Drago, nuestro candidato invencible : Mickey O’Neill el personaje de Brad Pitt en Snatch. Un gitano indomable es presionado a pelear por un grupo de mafiosos temible encabezados por el temible Doug the Head que arroja sus enemigos a su piara de chanchos salvajes. No se dejen llevar por su apariencia.

Otros filmes de boxeo : Rocky Balboa (2006) , El golpe perfecto (Diggstown) (1992)

TENNIS

Película : Match Point (2004)

Actores: Brian Cox, Matthew Goode, Scarlett Johansson, Emily Mortimer, Jonathan Rhys Meyers,

Director: Woody Allen

Chris (Jonathan Rhys Meyers), un modesto y ambicioso instructor de tenis que se debate entre dos mujeres, las cuales le acabarán llevando a un callejón sin salida. No se si será nuestro mejor candidato, pero que hará realmente “lo que sea necesario” para llegar al triunfo, descuéntenlo.

Torso films de tenis : Wimbledon (2004) , Extraños en un tren (1951)

ATLETISMO :

Película : Corre Lola Corre (1999)
Actores: Franka Potente, Moritz Bleibtreu, Herbert Knaup, Nina Petri, Joachim Król, Armin Rohde, Heino Ferch, Suzanne von Borsody, Sebastian Schipper
Director: TomTykwer

Que mejor candidata para el atletismo que Franka Potente en su papel de Lola . Tiene 20 minutos para evitar que su novio robe un banco para recuperar los U$S 100.000 que extravió y le debía a un mafioso. En los 87 minutos del filme la protagonista no para de correr. Así que aquí nuestra candidata.

Otros filmes de atletismo : Forrest Gump (1994) , Carrozas de fuego (1981)

PING PONG

Pelicula : Forrest Gump (1994)

Actores: Tom Hanks, Robin Wright, Gary Sinise, Hanna R. Hall, Mykelti Williamson, Sally Field,

Director: Robert Zemeckis

Habrán pensado seguro como no estaba en atletismo Corre Forrest corre.. Ahora se devela la incógnita, lo guardamos para el ping pong. Que puedo mencionar de este filme, donde un discapacitado va superando sus limitaciones y creciendo hasta limites insospechados ? Que es nuestro candidato a la medalla de oro de Ping Pong, realmente invencible..!!!

Otros films de ping-pong : Balls of fury (2007)

ESGRIMA

Pelicula : Otro día para morir (2002)

Actores: Pierce Brosnan, Halle Berry, Toby Stephens, Rosamund Pike, Rick Yune, Judi Dench, John Cleese, Michael Madsen, Will Yun Lee
Director: Lee Tamahori

En este filme de James Bond , hay un tremendo duelo de esgrima , en todas las disciplinas entre el veterano agente y el malo de turno Gustav Graves (Toby Stephens) destrozando un club de esgrima . El detalle es que la entrenadora de Gustav es Madonna. Así y todo Bond triunfa así que ahí va nuestro candidato

Otros filmes con esgrima : Blade (1999) , La mascara del Zorro ( 1998)

TIRO

Pelicula : Los intocables (1987)

Actores: Kevin Costner, Sean Connery, Charles Martin Smith, Andy Garcia, Robert De Niro,
Director: Brian De Palma

De esta grandiosa versión de la serie televisiva de Brian de Palma llega nuestro candidato : el agente John Stone (o su nombre real Giuseppe Petri como le confiesa a Sean Connery) un infalible tirador, prueba fundamental la escena en la escalera de la estación de tren donde dispara acostado en el piso , sosteniendo un carrito con un bebe con una pierna y pone la bala entre los ojos del maleante. Medalla asegurada.

Otros filmes con tiro : Enemigo al acecho (2000) con Juda Law , Shooter (2007) con Mark Whalberg

Y Vos? Saliste boxeando, saltando o corriendo después de ver alguna peli?

Tenemos que reconocer que tenemos enormes influencias de relativa poca cantidad de vertientes. Y, mayormente cuando la música no pasa por nuestros tradicionales estilos, nos es difícil de digerir.  Sin embargo, si tuviésemos la capacidad de tener la mente abierta en lugar de condicionada por nosotros mismos, la oferta de sensaciones se multiplicaría. Fijate: hace unos días, una lectora de blog de tan sólo 24 añitos me pidió que postee Samla Mammas Manna, que es una banda de suecos que sonaba en los inicios de los 70´s. Le prometí que lo postearía, pero lo que más me sorprendió es que una chica de Buenos Aires, que nació cuando ya no existían ni Serú Girán ni Emerson, Lake & Palmer, cuando Charly recién empezaba a demoler hoteles… sin embargo se sumerge y entrega a sensaciones de músicos “progresivos” que casi no fueron conocidos siquiera en su propia era ni país. Cómo hace para tener el bocho tan abierto? Ella dice gustar de mis opiniones… Divina… Vayan mis mayores reverencias a su maravillosa capacidad.

Cuando hago zapping me pasa igual: miro una peli que ya vi en lugar de darle tiempo para que me entusiasme una nueva que aún no conozco. Y si es francesa… chau! me quedo viendo por quinta vez la repetición de la tercera temporada de Dr. House!

Estamos acostumbrados a escuchar música en inglés y en español. Pero si es francesa o italiana (ni hablar los suecos de Samla!) se nos dificulta un poquito más. Maurice Chevalier, Charles Aznavour… Muchos recuerdan con entusiasmo las emotivas versiones de  Jacques Brel. Podemos nombrar a Edith Piaf, y por supuesto a las cantantes/actrices Carla Bruni, Brigitte Bardot…  Los que son populares en estos días son, para la mayoría de nosotros, ilustres desconocidos. Pero para hoy se me ocurrió traerte a un provocador espectacular: Serge Gainsbourg.

Los intelectuales franceses son respetados globalmente. Célebres, provocadores, bohemios y todos, pero absolutamente todos fumadores, se mueven en clanes y defienden sus raíces. Son, en general, muy nacionalistas y sobre eso es que construyen y defienden su cultura. Contestatario, culto, sofisticado pero revoltoso, así era Don Serge.

Podríamos ubicarlo entre la generalidad de los trovadores franceses: mucha letra y mucho recitado. Pero su característica mayor fue la provocación. Su pareja durante sus 10 años de mayor producción fue, al mismo tiempo, su máximo fetiche: la bellísima flaca Jane Birkin. Las mujeres en su vida (y el sexo en particular) fueron su máximo combustible. Famosas tres “B” fueron las más conocidas: Brigitte Bardot, Jane Birkin y “Bambou” Caroline Paulus. Pero fue junto a la americana Birkin con quien se encargaron de llenar de ratones todos los cerebros de Europa, explorando el erotismo y la psicodelia en el cine, poesía, música, pintura y televisión. Esencialmente libre y en permanente estado creativo. Todo el planeta de más de 45 años recuerda el escándalo que se armó cuando apareció Yo te amo, yo tampoco….

Bueno, me pareció divertido ablandarte el oído, así que te subí un disco de Serge. Se trata de la “Histoire de Melody Nelson”. Es un disco conceptual, grabado en 1971, donde narra la historia de un milonario que atropella con su Rolls Royce a una bella adolescente. Su claro francés explora interesantes rincones musicales, los mismo que luego aparecerían en músicos como Beck, Franz Ferdinand, Marianne Faithfull, Feist, o bien en Francia Carla Bruni, o su propia hija Charlotte Gainsbourg.

La historia es bien “Lolita” (la de Nabokov), y está narrado casi como un autobiográfico. De hecho, poco después de su lanzamiento se creó una pequeña peli para televisión donde Gainsbourg donde casi homenajea y llena de halagos a su musa y motivo de su vida, Jane.

Birkin y Gainsbourg se separaron en 1980, pero jamás pudieron reconstruir sus vidas. Tras la tormentosa y apasionada relación, Gainsbourg no hizo más que emborracharse y dedicarle músicas y escribir inspirado en ella, y por su parte, Jane malogró todas las subsiguientes relaciones sin lograr superar nunca el bajón post-divorcio. Finalmente, intoxicado, siempre alcoholizado y fumado, Serge Gainsbourg murió en 1991 a los 62 años de edad.

Los músicos ingleses que solemos escuchar han oído mucho y muy de cerca a Serge. Toda Europa lo reconoce y recuerda. Me pareció interesante traerte esta versión de Melody, reeditada en 2011. Venía con un DVD con entrevistas y demás extras pero me pareció too much. Acá va el Cd remasterizado, más un Cd de extras y versiones no editadas anteriormente (esta es la versión del 40 aniversario), a 320@ y con todo el artwork.

A la pipetuá!  

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Album: Histoire de Melody Nelson – Cd 1
Album Artist: Serge Gainsbourg
Year: 1971 – Version: 2011 – Bitrate: @320
Genre: French
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Tracks:
01 – Melody
02 – Ballade de Melody Nelson
03 – Valse de Melody
04 – Ah ! Melody
05 – L’hotel particulier
06 – En Melody
07 – Cargo culte
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Album: Histoire de Melody Nelson – Cd 2
Album Artist: Serge Gainsbourg
Year: 1971 – Version: 2011 – Bitrate: @320
Genre: French
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Tracks:
01 – Melody [Complete Take - Unreleased]
02 – Ballade De Melody Nelson [Alternative Voice Take – Unreleased]
03 – Valse De Melody [Alternative Voices Take – Unreleased]
04 – Ah ! Melody [Alternative Voices Take – Unreleased]
05 – Melody Lit Babar [Voice Version – Unreleased Track]
06 – Melody Lit Babar [Instrumental Version – Unreleased Track]
07 – L’hôtel Particulier [Complete Take – Unreleased]
08 – En Melody [Alternative Take – Unreleased]
09 – Cargo Culte [Instrumental Version - Unreleased]

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Enjoy!!!!

Alfred Hitchcock, maestro del suspenso, genio indiscutible, de visión ineludible para cualquier cinéfilo;  capaz de filmar toda una película en una sola toma (La soga) cambiando los rollos a medida que la cámara pasaba detrás de una columna; enamorado de su protagonista femenina, a la cual flagelaba en las filmaciones; nombrado sir por la realeza inglesa; capaz de aparecer en un breve cameo en cada una de sus películas. Para los que no lo conocen tanto, para los fanáticos para poder polemizar sus 10 mejores, aquí va mi top ten de filmes de Alfred Hitchcock.

10.- LA DAMA DESAPARECE (1937): De las primeras películas que empezaron a hacer famoso al gran Alfred. En el tren de los Balcanes que la lleva de vacaciones, Iris una joven inglesa conoce a Miss Froy, una encantadora anciana. Esta desparece misteriosamente durante el trayecto y cuando Iris la busca todos los viajeros niegan haber visto a la anciana. Un joven especialista en música folklórica con alguna que otra intención en la chica también la ayuda en la investigación y descubre que el tren esta lleno de espías. Lo más sorprendente es el concepto de Copperfield de desaparecer a alguien delante de todo el mundo.

09.- FRENESI (1972): Anteúltima película de la filmografía del gran director. En este caso, en el Londres actual, un maniaco sexual estrangula mujeres con una corbata. Lo mejor del filme es que a los quince minutos Hitchcock nos revela la identidad de este asesino que aparece en la segunda secuencia del filme. Lo peor de todo es que a medida que transcurra la película vamos a ver como un segundo personaje, inocente él, se va a ver involucrado, perseguido, arrestado y condenado. A partir de ahí el juego de la araña y la mosca presa en su telaraña nos va a mantener en vilo durante la hora y media siguiente.

08.- CRIMEN PERFECTO (o La llamada fatal) (1954): Un perdedor sin dinero temiendo que su esposa- que posee una gran fortuna- lo abandone por un apuesto novelista americano, planea matarla para quedarse con la herencia. Convence a un joven en apuros para que mate a su mujer mientras él está en un lugar público: el crimen perfecto. Pero todo se complica cuando la mujer en una lucha encarnizada mata a su agresor con una tijera. A partir de ahí todo se complica cada vez mas siguiendo la línea de los primeros filmes de Hitchcock con inocentes culpados por un crimen que no cometieron y conociendo al verdadero asesino el espectador.

07.- EXTRAÑOS EN UN TREN (1951): En un tren un campeón de tenis llamado Guy, es abordado por un admirador, Bruno, quien conoce toda su vida íntima y le propone un intercambio de asesinatos. Bruno deberá matar a la mujer de Guy (quien no quería darle el divorcio) mientras que Guy deberá asesinar al padre de Bruno para que él se pueda quedar con su herencia. Guy rechaza el plan pero Bruno lleva a cabo su primera parte del plan matando a su odiosa mujer. Ante la negativa de Guy de cumplir su parte, Bruno decide involucrarlo en el crimen. Un nuevo inocente condenado, esta vez no tan inocente con una escena final de las mejores en un partido de tennis. La historia fue llevada nuevamente con un tono cómico por Danny de Vito en “Tira a mamá del tren”.

06.- INTRIGA INTERNACIONAL (1959): Una de las primeras superproducciones de Hitchcock repleta de escenas memorables. La historia: el servicio secreto norteamericano de espionaje inventa un agente que no existe. Posee una identidad, Kaplan, una habitación en un hotel , trajes y ropa pero ninguna existencia concreta. Por un error, el publicista (interpretado por Cary Grant) es confundido por unos espías como Kaplan, al que buscan, y le resultara imposible de zafar ni siquiera ante la policía y deberá enfrentarse con toda clase de aventuras peligrosas y divertidas ayudado por Eva Marie-Saint, agente doble e interés amoroso (memorable la escena de Grant perseguido por un avión a través de un campo). No es de las mejores tramas y hasta vamos a encontrar varias dosis de humor pero no deja de ser un gran filme.

05.- FESTIN DIABOLICO (LA SOGA) (1948): Dos muchachos homosexuales estrangulan solo por placer a su compañero de estudios y ocultan el cadáver en un baúl minutos antes de celebrarse un cocktail al que han invitado a los padres del muerto y a su ex novia. Además invitan a su antiguo profesor de la Universidad e irán traicionándose ante él. Filmada toda en un departamento de New York y en una sola toma sin cortes. Impresionante, con James Stewart su actor fetiche.

04.- LOS PAJAROS (1963): Melanie Daniel (Tippi Hedren) lleva dos pájaros enjaulados como regalo de la sobrina de un abogado (Rod Taylor) que la atrae.  Al llegar una gaviota la hiere en la frente por lo que el abogado la invita a quedarse. Al día siguiente en medio de una fiesta campestre una bandada de gaviotas ataca a los niños y por la noche una bandada de gorriones invade la casa. Al otro día son cuervos los que atacan y nuevamente las gaviotas. Sin dudas una de las películas del maestro más recordada, incluso por las quejas de Tippi Hedren quien fue herida realmente por algunas aves dado el realismo que Hitchcock quería darle al filme.

03.- LA VENTANA INDISCRETA (1954): Un reportero grafico (otra vez James Stewart) se encuentra inmovilizado con su pierna enyesada y decide observar por puro aburrimiento los vecinos del edificio del otro lado del patio. Así va a ir conociendo un mundo , con conflictos y alegrías de los habitantes del lugar: Pero claro, como es una película de Hitchcock y no de Sofovich, en vez de ver a una mujer desnuda observa un presunto crimen. Pronto se convence que un hombre ha matado a su mujer y le cuenta sus sospechas a su amiga (Grace Kelly) y a un amigo (Wendell Corey). Ante el descreimiento de todos comienza a involucrarse peligrosamente. El año pasado se la copió en el filme Paranoia de Shia le Bouf.

02.- VERTIGO (DE ENTRE LOS MUERTOS (1958): Scottie (James Stewart y van…!!!) es un inspector de la policía retirado porque al ver caer a un compañero resolviendo un caso sufre un ataque de vértigo. Como investigador privado se dedica a vigilar a bellas mujeres, una de ellas Madeleine (Kim Novak) en realidad parece intentar suicidarse. La salva de ahogarse en el puente de Brooklyn, se enamora de ella pero debido a su vértigo no logra evitar que se arroje desde la alta torre de un campanario. Él cae en una depresión nerviosa hasta que un día en la calle conoce a Judy, una sosias de Madeleine que comienza a comportarse cada vez de forma mas extraña . O es Madeleine en realidad que ha vuelto de entre los muertos….? Una hermosísima Kim Novak encandila la pantalla en cada aparición para dejar totalmente desquiciado a James Stewart en su tercera aparición en filmes de Hitchcock. Una gran vuelta de tuerca final.

01.- PSICOSIS (1960) : La mejor película de Hitchcock, la mejor película de suspenso de la historia y uno de los más grandes filmes de todos los géneros. Marion (Janet Leigh) amante de Sam (John Gavin) huye de Phoenix en automóvil llevándose consigo u$s 40.000 robados a su jefe. Se detiene en un motel abandonado donde el dueño, Norman Bates (Anthony Perkins), le confiesa que vive con su madre a quien adora aunque sea un poco complicada. Mientras toma una ducha Marion es acuchillada en la famosa escena por la anciana de una docena de cuchilladas desapareciendo. Norman aparece gritando pero asumiendo la culpa ordena todo, limpia y lava y arroja el cadáver junto con el auto y el dinero a una ciénaga. Pronto llegarán al lugar para desentrañar el misterio Leila (Vera Miles), Sam y Arbogast (Martin Balsam) un detective de la compañía de seguros. Ahora todo empezara a develarse, pero antes más muertos rodarán por el Bates Motel.

Qué más decir de esta película…? Que fue uno de los filmes revolucionarios por varios motivos. En primera instancia una de las protagonistas principales y estrella, Janet Leigh, moría antes de la primera media hora del filme. Además el gran Hitchcock se encarga todo el tiempo de regar el filme de pistas falsas, envolverlo con un clima de tensión sexual con los encuentros iniciales de Marion y Sam, pero sobre todo descubrir al verla que no hay en toda la película un sólo personaje simpático. El mismo Hitchcock declaró que: “… con Psycho dirigía a los espectadores igual que si tocara un órgano”. Creo que no hace falta más nada: es de visión obligatoria, aún si ya la vieron o les han develado el final, para observar la maestría en un filme de suspenso jugando con el espectador cual un pinball.

Este es mi top-ten de Hitchcock amigos, espero que lo hayan disfrutad… eh…? Pero que pasa.. qué es ese ruido.. quién anda ahí…? Quién anda arggghhhhh…!!! Argggghh….!!!

Después del concierto de Jon Anderson, mi amigo H no lo dudó: sacó dos buenas ubicaciones en el Gran Rex para las dos noches de Wakeman. Me avisó después del gasto: no tenía dudas que ni siquiera hacía falta preguntar.

Pasaron los días y el evento llegó.

Fueron 2 noches espectaculares. Sobre el escenario estuvo plantada una orquesta sinfónica impecable. Unos 50 miembros, con cuerdas y coros sobre la izquierda, bronces y percusión hacia el centro, y su grupo “The English Rock Ensamble” sobre la derecha.

La banda sonó impecable. La base sonó increíble con un preciso bajista (Nick Beggs) y un sorprendente, espectacular y muy técnico batero Tony Fernandez (ex-Strawbs). En guitarras, un violero como los que ya no se ven… muy rockero clásico, dúctil, rápido, casi zeppeliano. Su nombre es Dave Colquhoun y, si buscás, podés verlo tocar algunas cosas en la web.  Es joven, pero de los de antes… Muy bueno.

La voz masculina acompaña a Wakeman desde hace años: Ashley Holt. Es muy irregular, por momentos mirás para los costados como preguntando Qué pasa?, en otros quedás conmovido por su potencia y calidad. “Nada de pianos para un tomador de cervezas” dijo mi amigo H sin piedad. Cada vez que el tema requería de control, Ashley sucumbía en trémulas dudas. Pero cuando hacía falta caudal… te volaban las orejas.

La primer noche fue para Viaje al Centro de la Tierra. Me pareció una muy apropiada idea que los relatos se hagan en español. El relator, dueño de una voz muy adecuada para el rol, narró sin fisuras la historia… El profesor Lidenbrock pretende seguir los pasos de Saknussemm quien dijo haber llegado al centro de la tierra. Es así que emprende una expedición acompañado por sobrino Axel y el impasible guía islandés Hans.

Cuando sonó The Forest, todo el teatro estalló en una interminable ovación, pedido de bises, y cánticos woodstockianos.

En la segunda noche la tensión y expectativas no habían disminuido, sino más bien todo lo contrario. Se trataban de dos conciertos cortos (1 disco cada uno!) así que era inevitable que todos hayamos estado con ganas de más.

Las Seis Esposas de Enrique VIII es un clásico absoluto.  Cuando se grabó, Rick logró participaciones de Alan White, Bill Bruford, Chris Squire, Dave Cousins, Ray Cooper, Steve Howe, y muchos más. El álbum, pese a la presión en contra de la discográfica, fue un suceso y se convirtió en un clásico total. Además de alguna nueva intro y excerpts de salida, Rick presentó el tema “Henry, Defender of the Faith”, que no fue parte del disco original “porque no había más lugar”.

Con respecto a los arreglos, hubo menos metálicos mellotrones y mucho más de verdaderos coros, violines, chellos y timbales. Eso le dio, a mi modo de ver, una imagen sonora majestuosa e imponente. El último tema, Chaterine Parr… otra vez público insaciable, larga ovación con gritos y aplausos, pedido de más bises, más cánticos woodstockianos, y sonrisas y saludos entre todos los músicos. Parecía que apenas podían creer tamaña devoción popular.

Y una línea para el bueno de Rick. Emponchado en su capa dorada, que sólo se habría para dejar asomar a su prominente barriga, el rubio sigue endulzando oídos a quien lo quiera escuchar. Sus manos siguen caminando casi sin esfuerzo a lo largo de los teclados en interminables variaciones y escalas, donde se hace reconocible su personal estilo. Está grande, se cansa… todo lo que me quieras decir. Pero, puta que bueno que estuvo!!!!

Bueno… como estas cosas me ponen contento, y cuando estoy contento tengo más ganas de compartir, te armé un Mini Sacred Box! La discografía de Wakeman es interminable, y para ser completamente honestos, hay algún material que no resultó muy interesante. Sin embargo, lo que grabó entre 1973 y 1977 (7 discos en 4 años!) casi no tienen desperdicio. Como seguramente hay cosas que tenés, y quizás algunas no, te armé este Mini Box con los 7 discos reeditados remasterizados en Japón en formato SHM-CD en 2011.

Hay muchas cosas que tenés en tu rígido que ni sabés porqué están ahí. Hay montones de discos que nunca escuchás. Ni hablar de los que tenés que no son Calidad Sacred. Se acabaron las palabras: bajate este MiniSacredBox ya!

GROSSSSSSSSSSO MASTERRRRRRRRRR!  

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The Sacred Monster Mini Box
Album Artist: Rick Wakeman
Year: 1973 / 1977 – Version: 2011 – Bitrate: @320
Genre: Symphonic Rock
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Discs:
1973 – The Six Wives of Henry VIII
1974 – Journey to the Centre of the Earth
1975 – The Myths & Legends of King Arthur & The Knights of the Round Table
1975 – Lisztomania
1976 – No Earthly Connection
1977 – Rick Wakeman’s Criminal Record
1977 – White Rock

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Rick Wakeman SHM-CD’s
Released on August 26th, 2011 in Japan.
SHM-CD format all in Mini LP sleeves.

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Enjoy!!!!

Recuerdo la primer decepción, cuando desde blogspot me hicieron volar por el aire. Pocos meses después, ya en sacredmonster.com.ar la que volaba por el aire era mi computadora. Luego la crisis de Rapidshare. Luego la caída de Megaupload. Luego, el cierre de cuentas de Mediafire…

Será que nos estamos acercando a fin de otro año, donde cuento de a una las reservas de energía como para administrarlas y llegar así a las ansiadas vacaciones. Será que, aunque no me guste nada, un año más es también un año menos. Es mayor la distancia con aquel que escuchaba música en el tocadiscos. Es que se hace más borrosa la memoria de cuando mis tíos cantaban óperas mientras mi abuela, madre y tías cocinaban para 30 los domingos a la mañana.

Pero mientras todo eso pasa, y acumulamos todas las batallas superadas, nos damos cuenta que son muy pocos los combustibles a los que podemos recurrir para seguir. El mejor de todos: el amor al arte.

En Agosto de 2009 inaugurábamos una sección llamada Sacred Musicans. Estábamos de festejo que estábamos acercándonos a 1.000 visitas diarias y una buena manera de festejarlo era, justamente, con ustedes, con su propia música. Hoy volvemos a encontrarnos.

Parampará, el grupo liderado por Leo Andina, estrena su segundo disco. Caminos Cruzados es un trabajo consistente y sorprendente. La consistencia, a mi humilde criterio, tiene que ver con seguir una línea y, a lo largo del tiempo, evolucionar.  Esa evolución se evidencia en el claro salto cualitativo del grupo. A su vez es sorprendente: muchos de los temas (Mundos Separados, la chacarera, Caminos…, etc.), bien podrían ser tracks de clásicos de grupos de rock latinoamericanos consagrados en el circuito comercial.  Todos los temas (excepto excepto Amboy y Cuatro Regalos) fueron compuestos por Leo Andina, y destacamos la enorme participación de Hugo Queija, tanto en el soporte vocal como en los arreglos y producción.

Al igual que en el momento del primer Cd, y durante todo este tiempo, el grupo se nutrió del mismo combustible para seguir adelante: el amor al arte.

Hoy volvemos a darle espacio a los Sacred Musicans. Tengo algunas cosas pedidas pendientes de posteo a las que ya le haremos el lugar. Mientras tomamos aire nuevamente y nos sacudimos el polvo de los hombros por un año más, date una vuelta por su página en Facebook y conocelos.  Los discos? por descarga directa, sin FBI!   Hacé Click!

Hacé Click!  -  Grosssos! 

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Album: Caminos Cruzados
Album Artist: Parampará
Year: 2012 – Bitrate: @320
Genre: Rock Urbano Andino
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Tracks:
01 – Caminos cruzados
02 – Nuestra Primavera
03 – Alumbra
04 – Me estoy perdiendo de algo
05 – Cuatro Regalos
06 – No puedo esperar mas días
07 – El Don
08 – Mundos Separados
09 – Vivir en Amboy
10 – Chacarera de mi Suerte
11 – Un ángel me Dijo
12 – Imágenes sin Voz

Links de Descargas y Fotos!

Página Oficial                  Facebook

Lo sabrá el que estuvo allá y también lo sospechará el que no la conozca: New York es una ciudad inabarcable y no importa cuánta precisión y método uno tenga a la hora de organizar las salidas, nunca llega a hacer todo lo que se plantea. Claro que yo no estuve exenta de esto y pese a pasar 7 días completos en la gran manzana, me fui con más curiosidades por los recovecos que no llegué a ver, que satisfecha por los sitios que visité.

Tuve pocas oportunidades de hacer vida nocturna en Manhattan ya que cuando bajaba el sol mis pies suplicaban una palangana con sales y una cama. Sin embargo hice un esfuerzo porque ¡no salir de noche en NYC es como no estar ahí! Me armé una planificación con recitales de bandas conocidas y desconocidas, compré las entradas para obligarme ir, hice un surtido de jazz con rock y folk y organicé mis noches para conocer y disfrutar lo conocido.

El viernes antes de partir emprendí mi camino hacía The Bowery Ballroom a ver una recomendación de un amigo aficionado el ruido y al punk. Me dijo que ver Crocodiles era una buena forma de conocer el famoso under de New York. Resultó que llegué demasiado temprano al lugar y haciendo tiempo me fui a pasear por el Lower East Side, barrio que lo que decía la guía de papel no me había tentado de ninguna forma.

Caminé largo rato mirando vidrieras y entrando a todos los bares que eran en un sótano. Bajaba a curiosear, daba una vuelta, miraba el menú y volvía a salir.  Repetí esta entretenida fórmula hasta que encontré un bar llamado The Living Room que vendía cerveza a 6 usd y lo declaré como el lugar ideal para matar el tiempo, pese a no ser un simpático sótano. Al entrar me encontré con un – valga la redundancia – living de sillones grandes y mullidos con mesas ratonas de distintos estilos y una música muy cálida que invitaba a acomodarse en una butaca de la barra y pedirse una fresca. Cuando estaba a punto de hacerme un lugar al lado de una pareja, noté que en la pared trasera del lugar no había un mural si no un gran telón rojo que ocupaba el ancho del boliche. Me quedé mirando esa cortina grande y pesada pensando si iba a algún lado o si intentando atravesarla terminaría dándome la nariz contra una pared descascarada. En eso vi un grupo de gente que pasaba hacía al fondo y sin dudarlo los seguí.

A partir de esta parte, les sugiero que le pongan play al disco que está al final, solo para aclimatar más el relato. El track 1 estará perfecto.

Cuando corrí el telón me encontré con otro gran salón, que tenía un escenario levantado a unos escasos centímetros del suelo, y todas las mesas llenas de gente que aplaudía alegremente. Atrás y hacía un costado cerca de una barra había mucha más gente parada charlando, tomando algo, pero siempre atenta a lo que estaba sucediendo en las tablas. Moví un par de cuerpos para avanzar y lo vi: eran tres chicos, jóvenes, con camisas cowboy con la estampa de la bandera de Estados Unidos que cantaban a coro en un solo micrófono mientras uno tocaba el saxo, otro la guitarra y el tercero el acordeón. El estribillo explotaba acústico y la gente aportaba golpeando con la palma la mesa de madera, con el pie el suelo del mismo material y los que estaban parados bailaban y gritaban vitoreando a los jóvenes que entonaban el más fino y delicado de los folks.

No tomé la cerveza en The Living Room. El tiempo que estuve ahí no quise despegar los ojos de la banda, atontada mirando lo maravilloso que era ese lugar oculto, donde adelante el clima era relajado e intrascendente, pero atrás había una fiesta. A solo un telón de separación.

Esa noche pregunté a todos los que tuve cerca quiénes eran estos chicos y nadie supo decirme. Fue Martha, la encargada del bar, que hace tan solo dos semanas (a un mes y medio de esa noche) contestó muy atenta mi mail desesperado en busca de información.

“Esperamos que regreses pronto a la ciudad y visites The Living Room”, finalizaba Martha el email. Volveré por esa cerveza y la adrenalina del no saber qué me espera del otro lado del telón.

The Tres Amigos – The Tres Amigos.
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